Alberto Corazón: «El lápiz es el mejor amigo del hombre»

 

en elaboración… (2022-05)

 
 
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Alberto Corazón Climent.

Enlaces esenciales


Entrevistas y reportajes

■ Donación de la biblioteca de Alberto

«[…] el diseño siempre es el resultado de un encargo, por lo tanto el cliente es la otra pieza esencial. Y, por lo tanto, lo que hay que hacer es, fundamentalmente, aprender a escuchar».

■ Alberto Corazón sobre el documental CAPACITADOS de FSC Inserta

«[…] La regla de oro para entender a los demás, para generar un convivencia armoniosa y para resolver y afrontar los problemas, es ponerte en el lado del otro. Y eso que es un ejercicio mínimo y tan sencillo […] no solemos hacerlo. Pero cuando lo hacemos los resultados son, con frecuencia, extraordinarios porque descubrimos que hay otros mundos […]».

■ El diseño como imagen del conocimiento (UNED)

«[…] ¿Hay en el diseño vida inteligente? Claro que la hay, pero está penalizada por la estética […]».
« […] Por eso el diseño tipográfico es muy importante. Es decir, las letras no son inocentes. El modo en el que leemos y comprendemos un texto está condicionado, también, por una estructura tipográfica, los blancos, el interlineado… Un montón de elementos de carácter técnico de diseño editorial. Entonces, no es inocente en absoluto».

Alberto Corazón: “Vivimos la apoteosis de la mediocridad” (El País, 2014/01/10)


Libros seleccionados

■ «¿Es la memoria un cazador furtivo?» (2014)

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Texto de Alberto:

«La Cesta con frutas de Caravaggio como pretexto.

A lo largo de los dos últimos años he estado atrapado por la atracción misteriosa de una pequeña pintura de Caravaggio. Su aparente modesta, y silenciosa Cesta con Frutas me pareció y sigue pareciéndome, un muy vigoroso gesto de afirmación de la pintura como ensimismamiento de sí misma.

Como pura emoción.

Esa emoción es la que me empuja a dibujar, escribir, pintar como un único espacio expresivo».

Sobre la exposición:

«Madrid, 9 ene (EFE).- Alberto Corazón muestra su obra más reciente en la exposición “¿Es la memoria un cazador furtivo?”, organizada por la Galería Marlborough, en la que también se exhibe una selección de obra sobre papel del artista Carlos Franco.

La exposición de Corazón está compuesta por más de veinte acrílicos sobre lienzo de diversos formatos realizados en 2013. Se trata de una obra enérgica y luminosa en la que el artista y diseñador gráfico explora los límites del dibujo y del color.

Alberto Corazón, que en los últimos años ha recurrido con frecuencia al género del bodegón, tuvo a comienzos del pasado año un último encuentro con la obra “Cesto con frutas” de Caravaggio, una experiencia que el artista asimila a la del cazador furtivo.

En opinión de Francisco Calvo Serraller, autor del texto del catálogo de la exposición, en el trabajo de Alberto Corazón se ve una estrategia para “recobrar el auténtico estremecimiento de lo temporal, el peso de su pasar, la densidad de la memoria. Al final, en arte, todo se reduce al replegarse hasta alcanzar un máximo recogimiento”.».

 PARA SABER MÁS:

– Ver libro en issuu
– Ver el catálogo de la exposición.


Trabajos seleccionados

Otros

■ «Carta desalentada, de Alberto Corazón, a mis colegas diseñadores» (Publicado en Visual #160, 2013)

Queridos colegas: un diseñador nunca se jubila. Aunque el mercado esté desapareciendo tan rápidamente como el respeto y el aprecio social por nuestra profesión.
A finales del siglo XX el diseño en España parecía estar superando ya la etapa adolescente para encarar el paso a la madurez. Las Escuelas de Arte incorporaban a un profesorado competente y profesional, aparecían nuevos centros de estudios y las universidades se planteaban desarrollar diferentes tipos de especialidades. Es decir, el diseño pasaría a ser una nueva disciplina del conocimiento y la sociedad demandaría los servicios del diseñador tanto para mejorar nuestra relación con nuestro entorno, en el más amplio sentido, como para crear una más responsable cultura del consumo.

Yo sigo creyendo que ahí está el valor de nuestro trabajo, o mejor dicho, estarán, porque esas esperanzas se desmoronaron arrastradas por el tsunami de la gran crisis financiera. Nuestro entorno se ha vuelto de pronto pobre y silencioso. Ni una sola voz gremial, de asociaciones o centros de diseño, se ha alzado ante el atropello chantajista de administraciones y empresas públicas y privadas. Fiscalidad, impagos, dilaciones infinitas de los cobros, apropiación fraudulenta del derecho de autor, concursos escandalosos, presupuestos y condiciones ofensivas… Lo preocupante no es la situación económica, que lo es, pero tenemos suficiente capacidad de adaptación a la realidad, lo preocupante es la arrogancia de la mediocridad de quienes deberían saber que el buen diseño es un servicio público. El buen diseño es un vector en los atributos de lo que llamábamos “calidad de vida”. El buen diseño necesita imperativamente de un buen cliente. Un cliente competente e implicado en el proceso. El trabajo del diseñador termina en un momento dado y, a partir de ese momento su futuro depende exclusivamente del futuro que sea capaz de darle el cliente. Esa es la piedra angular del proyecto. Una piedra que parece estar convirtiéndose en arenilla. No sé en la experiencia de otros colegas, pero en la mía, el nivel de los responsables de relacionarse con el diseñador, desciende año a año. En cualquiera de los sectores privados y públicos, la “cultura del diseño” está en el rango más bajo que he conocido en mi larga vida profesional. Y el comportamiento responde al axioma de que, en puestos de responsabilidad: cuanto más ignorancia más arrogancia.

Reacción que no parece extenderse a otros sectores, como por ejemplo en la arquitectura, que está casi en quiebra técnica. Pero lo que permanece incólume, a diferencia del diseñador, es la reputación del arquitecto. Esa pérdida es la que me crea un profundo desasosiego. Diseñar está dejando de ser una profesión para volver a ser un oficio.

Esa evidencia es lo que me ha llevado a replantear el ejercicio profesional. Dar de baja el estudio con otros profesionales y volver a ser un profesional liberal, como se decía antes, un consultor en diseño estratégico que puede organizar equipos de trabajo si las circunstancias lo requieren y si esa demanda aparece. Si no es así aceptaré el epitafio del inmenso poeta Gil de Biedma:
“En un viejo país ineficiente, algo así como España entre dos guerras civiles, en un pueblo junto al mar, poseer una casa y poca hacienda y memoria ninguna. No leer, no sufrir, no escribir, no pagar cuentas, y vivir como un noble arruinado entre las ruinas de mi inteligencia”.

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· Artículo especial sobre Alberto Corazón

Conferencia del ilustrador Puño en el MAD 2011

2020-01-21 En la edición del MAD de 2011, el ilustrador conocido como Puño ofreció una conferencia que obtuvo una gran repercusión. En ella, reflexionaba sobre cómo muchas personas vamos perdiendo la afición por dibujar y cómo se nos hace muy cuesta arriba cuando, ya de adultos, la pretendemos retomar. ¿Cuándo dejamos de dibujar? Una charla de 40 minutos, muy inspiradores, para cuando nos sintamos bloqueados.

Conferencia completa de Puño en el MAD’11 (Palacio de Congresos de Madrid, 4 de junio de 2011).
https://www.youtube.com/watch?v=CCuVIUrjsss
 

▌ Citas destacadas

 
«[…] Hay que salir de la zona de confort […] Dentro de ella nunca vais a crecer».
«Una pregunta que se repite en las entrevistas que me hacen es ‘¿cuándo empezaste a dibujar?’ y siempre respondo lo mismo: ‘¿cuándo dejásteis vosotros de dibujar?’».
«Cocina y caligrafía […] Las practicamos a diario sin ser muy exigentes. […] No necesitamos ser un excelente calígrafo para escribir una nota para recordarnos algo o escribir un mensaje a alguien. […] Ni tampoco es necesario ser Ferran Adriá para cocinar […] y saciar nuestra hambre».
«No vemos el dibujo como un fin. […] Entonces quizá deberíamos ver el acto de dibujar como un medio para des-oxidar».
«Todos tenemos entre tres mil y diez mil dibujos malos. No hay que agobiarse. […] Si eres bueno sólo tendrás que hacer tres mil. Si eres una patata, tendrás que hacer diez mil, pero tarde o temprano aprenderás».
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Documental ‘I’ve got calligraphy’ sobre Ricardo Rousselot

Diseñador gráfico y calígrafo nacido en El Chaco (Argentina) en 1936, se asentó en Barcelona en la época de la transición española para ser un pieza clave en el impulso creativo que vivió el país en aquel periodo. Es el creador de la identidad visual de reconocidas empresas como El Corte Inglés, La Casera, Alfaguara, Casa Tarradellas o La Vanguardia, entre muchas otras. En este documental realizado por SeveralStudio, Ricardo Rousselot cuenta sus impresiones sobre el negocio y la situación actual de la caligrafía, desde el punto de vista de su densa experiencia profesional.

Texto de la descripción del video (canal de SeveralStudio.):

Ricardo Rousselot is a designer and calligrapher born in 1936, at «El Chaco», Argentina. After several years living and working in Chicago and a few more at Buenos Aires, he was seduced by Barcelona, the modernism, the sea, the mountains… And that was 38 years ago. This documentary talks about how ink as the path, never ends if it’s full of passion and love. This is the story of a restless pen that travels between the purity of art and it’s industrial application … as bluesmen sing, «I’ve got calligraphy».

Direction: Alex Guimerà – Executive production: Flextatowa & Guime – Script: Alex Guimerà – DOP: Alex Guimerà – Edition & Postproduction: Alex Guimerà – Music: Fábel – Sound: Elias Arias.

Acknowledgments: Real club de polo de Barcelona, Café Bo (BCN), Carlos, Cynthia & Edy, Sonia Morales. Natasha Ristic, Sandra Reina, Mireia Esteve, Sincriterio (Xavi Mirapeix), Sergi Bueno (Niu BCN) & TMB.

The project ilov.tv by Several Studio is licensed under a Creative Commons Reconocimiento-NoComercial-SinObraDerivada 3.0 Unported License. Permissions beyond the scope of this license may be available at several-studio.com


Citas destacadaslink

«Siempre intentaba hacer caligrafía, y no me salía, no me salía, no me salía… hasta que de repente me salió».
«La caligrafía hay que hacerla como dicen los libros; si no, estás haciendo otra cosa. Llega un momento en el que uno se escapa de todo eso y es uno mismo. Pero primero tiene que aprender los rudimentos y lo duro de lo que es la disciplina».
«[…] Que no moleste, que no hiera… La funcionalidad primero. Una letra tiene que ser leída. Si vos haces un texto que no se puede leer porque tiene muy poco interlineado, o muy poco interletrado[…] Las letras primero se han de leer, después lo que quieras».
«Lo primero que corta una empresa, aunque lo necesite como agua de mayo, es el diseño, y se va al muere porque una empresa sin diseño no es nadie. Podrá subsistir cuando la gente no tenga otra opción, pero si hay opción comprarán la cosa bien diseñada».
«Compro el diario y miro todas las tipografías que tiene […] Muchas cosas no me gustan, muchas sí… […] Miro todos los carteles… Voy por la calle y me he metido en muchas tiendas y digo oiga que su N está al revés, o que su K está al revés, y nos sacan pitando… Yo miro y critico, pero es como escupir hacia arriba, te cae en la cara siempre. Hasta que la gente no esté realmente educada no podemos detenernos en estas minucias».
«Nada más que vivir, yo ya no deseo nada. Yo no tengo coche… no tengo nada más que una casa en alquiler y cosas que cada vez tengo menos, pues las voy regalando… Llegará el momento en el que me quede sin nada».
«Si yo algún un día me retiro, por la burocracia que me retira… A mi me van a retirar de los papeles, pero yo seguiré haciendo exactamente lo mismo. Yo soy lo que hago».
«Calígrafos habrá siempre, y cada vez mejores. Lo que pasa es que hace falta meterse y cuesta trabajo hacerlo. Es una disciplina muy importante, muy importante porque la hacemos con nuestro cuerpo, que no hace nadie».

Ricardo Rousselot
Ricardo Rousselot. / ROUSSELOT – GRUPOERRE
Rotulación de Ricardo Rousselot
Rotulación de Ricardo Rousselot / ROUSSELOT – GRUPOERRE
El estudio creativo Rousselot - Grupoerre
El estudio creativo Rousselot – Grupoerre / ROUSSELOT – GRUPOERRE

Documental sobre el diseñador Miguel Milá

 

en elaboración… (2022-05)

 
Diseñador industrial e interiorista, inventor, bricoleur… y como él mismo admite, un recolector empedernido: «los objetos a veces pienso que me van a sacar de casa pero me mantengo», dice entre risas. Miguel Milá, nacido en 1931, cuenta y explica en este documental detalles de su vida y sus productos.
Fotografía de Miguel Milá
Fotografía de Miguel Milá. / MIGUELMILA.COM

Texto acerca del documental (extraído de la descripción del propio video ):

Un documental de Poldo Pomés Leiz.

Miguel Milá i Sagnier (Barcelona, 1931), Premio Nacional de Diseño, Compasso d’Oro y Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes es uno de los maestros indiscutibles del diseño industrial en España.
Con este documental, el director Poldo Pomés Leiz nos acerca al personaje y a su trayectoria de una forma llana y sencilla.“He tratado de dar a conocer un poco más al maestro” un proceso que describe de manera muy natural ya que Milá ha formado parte de su vida, “he crecido con sus piezas”.

Un recorrido por la personalidad y la forma de trabajar de Miguel Milá a través de la conversación con personas que han compartido su vida como Federico Correa, André Ricard, Isabel López o Fernando Amat. Milá dialoga con ellos rodeado de sus piezas más emblemáticas como la TMC, la M68 o la Cesta. El documental nos acerca a casa de Milá y su garaje, en el que sigue fabricando todo tipo de objetos y donde además le vemos construir la maqueta de un nuevo banco a cuatro manos con su hijo, el también diseñador, Gonzalo Milá. En un emocionante recorrido, la cámara de Pomés también lo acompaña a la Sala Vinçon, pocos días después de su cierre, en un homenaje a la emblemática tienda barcelonesa; al Servicio Estación y al Círculo Maldá donde recordamos el pasado cantante del protagonista.

“Diseñar es ordenar los elementos que componen un todo”; “Mi padre decía: ‘Sé útil y te utilizarán’. Yo procuré ser útil”; “Trabajo para que la gente me quiera” son algunas de las afirmaciones con las que nos deleita el protagonista durante la película.

Miguel Milá. Diseñador industrial e interiorista, inventor y bricoleur es un documental fruto de dos años de trabajo y ha sido producido por Santa & Cole, editora con la que Milá empezó a trabajar hace ya treinta años. “Hace mucho tiempo que Miguel se merecía un documental. Su obra marca un antes y un después en el diseño español” subraya Nina Masó, cofundadora y editora de Santa & Cole.


Documental sobre Miguel Milá link

Documental completo ‘Miguel Milá. Diseñador industrial e interiorista, inventor y bricoleur’ en Vimeo.

Citas destacadaslink

«C…».

I


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· Artículo especial sobre Alberto Corazón

‘Función y Forma; una mirada al diseño y la innovación en España’

 

en elaboración… (2022-05)

 
¿Qué es el diseño? Aún a día de hoy no es una definición fácil; lo abstracto y superfluo del mundo artístico sigue muy presente en la mente de la sociedad cuando se menciona la palabra diseño, lo que hace que no adquiera el protagonismo y respeto que se merece. A pesar de todo, la situación ha mejorado (al parecer) respecto a los tiempos en el que los diseñadores eran ‘grafistas’. Documental imprescindible para conocer la historia reciente y los distintos puntos de vista de sus protagonistas.
Cartel del documental 'Función y Forma'
Cartel del documental ‘Función y Forma’. / GRÀFFICA.INFO

Texto de la descripción del video (canal de BCD):

El pasado 12 de noviembre de 2016 se estrenó en La2 de TVE ‘Función y Forma. Una mirada al diseño y la innovación en España’, un documental que cuenta con la participación de numerosos ganadores de los Premios Nacionales de Innovación y de Diseño. El documental, realizado en un formato de entrevistas, hace un recorrido cronológico y explicativo del diseño en España desde los años 60 hasta la actualidad a través de las opiniones de empresas y profesionales de reconocido prestigio.

El filme, producido por La Chula Productions y TVE, financiado por el Ministerio de Economía y Competitividad, y patrocinado por BCD Barcelona Centro de Diseño, permite a la audiencia valorar la importancia del diseño en sus vidas.

Participan en la grabación: Javier Mariscal, Miguel Milá, Oscar Mariné, André Ricard, Pepe Cruz Novillo, Oscar Tusquets (BD Barcelona Design), Alberto Corazón, Alberto Lievore, Pati Núñez, Pablo Martín, Juli Capella, Josep Lluscà, Ramon Benedito, Vicent Martínez (Punt Mobles), Miquel Fluxà (Camper), Javier Nieto y Nina Masó (Santa & Cole), Quim Larrea, Dani Freixes, Josep Congost (Roca), Isidro Ferrer, José Luis López (Patentes Talgo), Nani Marquina (nanimarquina), Jesús Gasca y Joan Gasca (Stua), Alex Alorda (Kettal), Ferran Figuerola (Cricursa), Xavier Costa (Lékué), Federico Flórez (Ferrovial), Javier Marset y Joan Gaspar (Marset), Jaime Moreno, Mario Ruiz y Carlos Moro.


Documental ‘Función y forma’ link

Documental completo ‘Función y Forma’ en YouTube.

Citas destacadaslink

«Cuando la palabra diseño se adjetiva y se le pone el «de diseño», entonces se cae en lo superfluo».

Isidro Ferrer

«Diseño es el que resuelve bien las necesidades del usuario».

Josep Congost

«Nuestra silla, mi ropa, el micro, la cámara, la pantalla por la que ahora nos están viendo… Dime algo que no esté diseñado».

Juli Capella

«Nosotros (los diseñadores) hemos cogido el relevo a los artesanos; cuando no había industria, el artesano era la persona que hacía creación y producción […] Cuando ha venido la industria ¿quién iba a sustituir esa parte creativa que tenían los artesanos? […] ».

André Ricard

«El libro era probablemente el único objeto luminoso en aquel mundo tenebroso del franquismo».

Alberto Corazón

«En los años 80 […] mucha gente me preguntaba qué había estudiado y yo decía ‘Diseño Gráfico’, y nadie tenía ni idea de lo que era. […] luego se convirtió en un ‘boom’ de la prensa que decidió informar sobre el diseño, que era una carrera que era nueva para todo el mundo y era muy noticiable».

Pati Núñez

«Se ha tenido durante mucho tiempo al diseño como un valor agredado. A mí me suena a elemento decorativo, como una pegatina, y no se le comprende que es todo lo contrario; es un elemento estructurador de todo […]».

Alberto Llevore

«El área de Diseño o el responsable de Diseño tiene que estar en la parte estratégica de la empresa, donde se decide la estrategia».

Nani Marquina

«Sabemos que los aparatos electrodomésticos tienen certificado de defunción adelantado. […] Entonces hay una gran contradicción, digamos, en la base del sistema; entre eco-sostenibilidad, sostenibilidad y avaricia ».

Alberto Llevore

«Desde el momento en el que hacemos productos de calidad y que van a estar mucho tiempo contigo, estamos un poco proponiendo que el consumo sea responsable».

Javier Marset

«Lo que piensan fuera de España es que […] sí somos un pueblo muy creativo, y eso es lo que tenemos que dar. […] eso es lo que espera el mundo de nosotros, nuestra aportación. Lo que tenemos que hacer es quitarnos los complejos, aprender a hablar inglés y salir fuera a trabajar».

Oscar Mariné


Laurie Lipton, viviendo en una hoja de papel

 

en elaboración… (2022-05)

 
[Original text: YouTube video]

Film by Eric Minh Swenson. Produced by AC Projects.

Laurie Lipton was born in New York and began drawing at the age of four. She was the first person to graduate from Carnegie-Mellon University in Pennsylvania with a Fine Arts Degree in Drawing (with honours). She has lived in Holland, Belgium, Germany,France and London and has recently moved back to the States after 35 years abroad. Her work has been exhibited extensively throughout Europe and the USA.

Drawing It Out, reportaje sobre Laurie Lipton.

Lipton was inspired by the religious paintings of the Flemish School. Unfortunately she went to university when Conceptual Art was all the rage & no one could teach her how to paint like an early Renaissance Master. She tried to teach herself from books and failed. While traveling around Europe in her 20’s, she began developing her very own peculiar drawing technique building up tone with thousands of fine cross-hatching lines like an egg tempera painting. «It’s an insane way to draw», she says, «but the resulting detail and luminosity is worth the amount of effort».

Laurie is currently represented by the Ace Gallery, Los Angeles, and can be contacted through her website or Facebook page.

For more info on Eric Minh Swenson or project inquiries visit his website: www.thuvanarts.com.
You can also visit the art film series page at www.thuvanarts.com/take1

«Love Bite», the film link

Laurie Lipton Love Bite Poster
Love Bite: Laurie Lipton and her disturbing black & white drawings (poster).

Directed & Edited by James Scott.
Executive Producer Al Morrow.
Running Time: 34 minutes

Short Synopsis
No one on the planet has drawn more than Laurie Lipton.
With millions of tiny strokes of her humble pencil, Laurie’s haunted images seek answers to some of the most uncomfortable themes in our culture.
But what compels her to live a life of isolation drawing is neither black nor white.

Trailer and more about Love Bite:

Web oficial de Laurie Lipton:

Galleries link

Laurie Lipton viviendo en una hoja de papel
«Personal Effects (after Hokusai)». Charcoal & pencil on paper, 152,4 x 233,7 cm. [Ampliar] / ©LAURIE LIPTON, 2016.
©Laurie Lipton, 2005. «Family Reunion»
«Family Reunion». / ©LAURIE LIPTON, 2005.
©Laurie Lipton, 2002. «The Hags Embrace»
«The Hags Embrace». / ©LAURIE LIPTON, 2002.
©Laurie Lipton, 2006. «Prime Time»
«Prime Time». [Ampliar] / ©LAURIE LIPTON, 2006.
©Laurie Lipton, 2004. «Lady Death»
«Lady Death». [Ampliar] / ©LAURIE LIPTON, 2004.
©Laurie Lipton, 2013. «Wired»
«Wired». [Ampliar] / ©LAURIE LIPTON, 2013.
©Laurie Lipton, 2015. «Happy» (detail)
«Happy». / ©LAURIE LIPTON, 2015.
©Laurie Lipton, 2002. «Love Bite»
«Love Bite». [Ampliar] / ©LAURIE LIPTON, 2002.
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· Artículo especial sobre Alberto Corazón

Alberto García-Alix: «Un Mundo Traicionado»

 

en elaboración… (2022-05)

 

Directed by Erwann Lameignère.
Subtitles in English and French (click on CC to choose).
Music : Temporal by Buscabulla (courtesy of Kitsuné).
Production : Collectif Combo / kamel mennour.

Un Mundo Traicionado, sobre Alberto García-Alix, en Vimeo.
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· Artículo especial sobre Alberto Corazón

Entrevista con Jeff Weiner, consejero delegado de LinkedIn

 

en elaboración… (2022-05)

 

Rescatamos esta interesante entrevista con Jeff Weiner, consejero delegado de LinkedIn, que fue publicada en el XL Semanal el pasado noviembre.

Este hombre de 43 años ha convertido en un negocio millonario algo tan simple como los currículum profesionales. Su herramienta digital de búsqueda de empleo, LinkedIn, tiene 238 millones de usuarios (cinco de ellos, en España) y crece a razón de dos nuevos por segundo. ¿El secreto? Ha logrado que una red social, además de atractiva, sea un gran negocio. Hablamos con el consejero delegado de LinkedIn.

Por Adam Bryant. Magazine de XL Semanal. 10 de Noviembre de 2013.
Entrevista con Jeff Weiner

«LinkedIn es una red social aburrida donde no ligarás». «Otro sitio de Internet donde colgar el currículum y poco más». Así lo definían cuando sólo lo conocían cuatro gatos. Pero LinkedIn ha puesto patas arriba la industria de la contratación de personal. Los jefes de personal ya no se limitan a recibir aspirantes en su despacho. Van a su caza y captura a través de esta web diseñada sobre la teoría de que todos los habitantes del planeta están a solo seis grados de separación unos de otros. Tradúzcase ‘separación’ por ‘clics de ratón’. La crisis y el paro han hecho el resto.

Para cualquier profesional, hoy es casi indispensable estar en LinkedIn. Y es muy fácil. Te apuntas y empiezas invitando a tus colegas y a tus contactos de correo electrónico. Te rodeas de un círculo de conexiones que se inscribe en otro más grande… y así vas haciendo una agenda que crece exponencialmente. Además es gratis, aunque para usar todas sus posibilidades hay que pagar. No es que LinkedIn no tenga competencia. Las webs de anuncios ofrecen resultados más rápidos a la hora de cubrir los empleos peor remunerados: comerciales, telefonistas, cajeras… Y en la cúspide del mercado laboral, por ejemplo a la hora de fichar un nuevo consejero delegado, el encuentro personal y la entrevista tradicional siguen imponiéndose. Pero LinkedIn se ha apoderado de un extenso territorio intermedio, pues permite cubrir empleos de alta cualificación fácilmente.

«Liderar es tener la capacidad de inspirar a los otros para conseguir unos objetivos comunes. Eso marca la diferencia entre liderar y gestionar»

Pero LinkedIn no sólo es un escaparate para desempleados con buenas carreras. También para los que conservan su empleo. En otros tiempos, la creación de un perfil público en LinkedIn que pudiera llamar la atención de los cazatalentos de otras empresas era un paso poco diplomático que podía sentar mal a los jefes. Hoy, hasta los jefes lo tienen… En el contexto histórico actual, con despidos baratos, oportunidades en otros países, emigrantes cualificados…, ya nadie espera un puesto para toda la vida. Las nuevas promociones de licenciados e ingenieros cambiarán de empleo al menos once veces a lo largo de sus vidas.

A la chita callando, LinkedIn ya es en un gigante con un valor de 8.900 millones de dólares. Su salida a Bolsa en 2011 fue gloriosa, a diferencia del fiasco de Facebook, y puso a la compañía en órbita después de años titubeantes. Las acciones tenían un precio inicial de 45 dólares y duplicaron su valor ese día. Muchos analistas pronosticaron que sería una burbuja. Erraron. Hoy cotizan a 241 dólares. El principal responsable de este éxito es Jeff Weiner, su director ejecutivo, de 43 años, que relanzó la empresa fundada por Reid Hoffman en 2003. El lema de Weiner: «Conectar el talento y la oportunidad a escala masiva». Weiner rediseñó la compañía para orientarla hacia los cazatalentos corporativos. Y acertó. Además, ha conseguido algo insospechado: que la gente corriente, y no solo las grandes corporaciones, pague por usar una red social. La inscripción es gratuita, pero los servicios premium (como búsquedas especializadas) son para abonados. Así, el beneficio para LinkedIn por cada hora que un usuario pasa conectado es de 1,30 dólares, cuando el de Facebook es de apenas 6,2 centavos. Cuando Weiner llegó a LinkedIn, la compañía perdía 4,5 millones anuales y si pagaba las facturas era gracias a la inserción de anuncios publicitarios. Su gran logro ha sido convertir una gran idea en una idea rentable.

Hoy son miles las empresas que utilizan Recruiter, su producto estrella, creado para encontrar a profesionales cualificados. En los departamentos de recursos humanos tener una cuenta propia en Recruiter viene a ser mismo lo que contar con una terminal Bloomberg para un corredor de Bolsa. Y eso que cuesta unos 8.000 dólares anuales. Pero es una inversión rentable. Un proceso de selección de personal que duraría semanas se puede ventilar en cuestión de horas gracias a Recruiter.

La ambición de Weiner es tan grandiosa como la de Mark Zuckerberg, que aspira a que todos los habitantes de la Tierra tengan una cuenta en Facebook. «En cinco o diez años podríamos contar con el perfil profesional de cada uno de los 3300 millones de integrantes de la mano de obra planetaria», vaticina. Y podrían… Por eso le preguntamos cómo se llega a crear una empresa de la magnitud de la suya y qué nos puede convertir en unos profesionales para marcar la diferencia con los demás.

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El liderazgo es uno de esos conceptos que cada persona interpreta de forma distinta. ¿Cómo lo definiría usted? «Tener la capacidad de inspirar a los otros para conseguir unos objetivos comunes. El término ‘inspirar’ es fundamental. Marca la diferencia entre liderar y gestionar.»

¿Y cuál es la diferencia? «Los ejecutivos dicen a la gente lo que tienen que hacer, mientras que los líderes los inspiran a hacerlo.»

¿Y qué se debe hacer para ser un ‘inspirador’? «Es básico contar con una visión de futuro; y saber exactamente adónde quieres llevar tu negocio. También es clave ser valiente, confiar en las propias convicciones, porque siempre van a surgir problemas. Siempre habrá quien tenga dudas; si la visión de futuro es original, muchos dirán que el proyecto resulta imposible de llevar a la práctica. Por último, tienes que saber comunicar esa visión de futuro.»

¿A lo largo de su vida profesional recuerda a alguien de quien haya aprendido una lección de liderazgo? «Muchas. Pero le voy a contar una que aprendí cuando estuve trabajando en Yahoo! Un día vino a vernos Steve Jobs. Explicó que, cuando volvió a Apple, se encontró con que la compañía abarcaba demasiadas cosas -muchos productos, bastantes líneas comerciales- y empezó a insistir en que su equipo estableciera prioridades. Parece muy sencillo, pero no lo es. «Si tan sólo pudiéramos fabricar un producto, ¿cuál sería?». Me impresionó.»

¿Y de su entorno familiar aprendió algo? «Mi madre es una mujer con una intuición tremenda, hasta tal punto que puede resultar inquietante. Cuando conoce a una persona, a los 30 segundos ya se ha formado una opinión y es muy capaz de decirle unas cuantas cosas al sujeto en cuestión. El tipo se queda con la boca abierta y responde: «¿Cómo demonios se ha dado cuenta de todo eso?». No es que mi madre tenga un sexto sentido. Tiene que ver con la observación y el reconocimiento de ciertos patrones de comportamiento. De mi padre he aprendido a confiar en el propio instinto; también en lo importante que es tener unos valores personales.»

¿Siempre tuvo claro que quería ser el director ejecutivo de una gran empresa? «No. Pero no porque fuera incapaz de verme en ese papel, sino porque no lo ambicionaba. Nunca me desperté una mañana y me dije que quería convertirme en director ejecutivo. De hecho, no quiero ser un director ejecutivo al uso, y menos aún el director ejecutivo de una empresa que cotiza en Bolsa, porque la cosa puede resultar muy complicada.»

Explíquese. «Si la empresa no cuenta con un cultura empresarial sólida, con valores centrales, con una infraestructura de talentos individuales, de personas que se saben en el mismo barco, que reman en la misma dirección y tienen claro adónde quieren llegar, es difícil. Si la empresa cotiza en Bolsa y uno permite que se le escape de las manos, las consecuencias pueden ser muy duras. Eso sí, recuerdo que hace 10 o 12 años salí a cenar con mis padres una noche y mi padre de pronto me dijo: «Un día de estos vas a convertirte en consejero delegado de una gran empresa». Le respondí que no, que no tenía ningunas ganas. Pero él insistió: «Puede ser, pero el hecho es que acabarás por hacerlo». Y yo contesté: «Papá, no me estás escuchando». Terminamos discutiendo, pero mi padre tenía razón.»

Steve Jobs nos visitó y nos explicó su caso: ‘Si tan sólo pudiéramos fabricar un producto, ¿cuál sería?’. Me impresionó.

Cuando está en el trabajo, tiene algún ‘mantra’ que suela repetir. «Claro que sí. Hay una frase que viene a ser el lema no oficial de LinkedIn, y no se trata de una frase de mi creación. Next play, (‘siguiente jugada’). La tomé prestada de un entrenador de baloncesto. No hay que perder el tiempo celebrando una canasta espectacular o lamentándose por un fallo. Hay que concentrarse en la siguiente jugada.»

Háblenos de la cultura empresarial en LinkedIn. «Nuestra cultura empresarial consta de cinco pilares: transformación, integridad, colaboración, humor y resultados. Pero también tenemos unos valores que orientan nuestras decisiones cotidianas.»

¿Y qué valores son esos? «Son seis: los empleados son lo primordial; las relaciones personales tienen su importancia; hay que ser abiertos, honestos y constructivos; exigir la excelencia; asumir riesgos de forma inteligente; y actuar siempre como si uno fuera el propietario de la empresa. El punto clave es el primero: los empleados son lo primordial. El valor de nuestra compañía no puede ir más allá del valor que podamos conseguir que tenga para nuestros empleados.»

¿Qué consejos suele dar a los alumnos de las escuelas de negocios? «Siempre les digo: «Voy a haceros una pregunta, y tenéis 15 segundos para responder. Dentro de 20 o 30 años, cuando penséis en vuestras carreras profesionales en retrospectiva, ¿qué os gustaría pensar que habéis conseguido? Adelante con esas respuestas». Si son incapaces de responder en 15 segundos, lo más probable es que nunca se hayan planteado la cuestión hasta ese momento. Le sorprendería ver cuánta gente no es capaz de responder a la pregunta. Muchos se han visto arrastrados por una concatenación de oportunidades laborales que los ha llevado de un lugar a otro -a conseguir ascensos laborales, a ganar más dinero-, pero sin detenerse a considerar esta cuestión tan sencilla.»

¿Y por qué es tan importante? «Si no has pensado sobre ello, no puedes saber cuál es tu objetivo personal. Sé que lo que estoy diciendo suena un poco facilón, pero es la verdad. Por eso, el principal consejo que doy a los estudiantes es que tengan claro qué es lo que quieren conseguir. Si no lo tienen claro, tampoco pasa nada, pero conviene que empiecen a pensar en el asunto.»

¿Y si reflexionas, pero no tienes claro adónde quieres llegar? «Bueno, mi consejo es que se concentre en dos aspectos: en la pasión por su trabajo y en la capacidad profesional. Este es mi primer consejo.»

¿Y el segundo? «Uno tiene que rodearse de personas sensacionales, de los mejores entre los mejores. En la época en que vivimos, en esta sociedad cada vez más globalizada, todo está en función de las personas con las que uno trabaja. Yo antes creía que lo principal era la persona para la que uno trabajaba, que lo primordial era contar con el mentor adecuado, con alguien que creyera en ti, que te permitiera cometer errores y correr riesgos, que te enseñara y te formara. Pero lo primordial no es la persona para la que uno trabaja. Lo primordial son las personas con las que uno trabaja, las que trabajan para uno. Las que colaboran contigo todos los días.»

¿Alguno más? «Uno siempre tiene que estar aprendiendo. A Joi Ito, el director ejecutivo del MIT Media Lab, le gusta emplear la palabra ‘neotenia‘, que viene a designar un estado de adolescencia prolongada. Joi se refiere a la conservación a lo largo de la vida entera de la capacidad de sorpresa tan propia de la niñez… Una de mis citas preferidas es de Albert Einstein: «Hay dos maneras de vivir la vida. Una es pensar que nada es un milagro. La segunda es pensar que todo es un milagro». Yo tiendo a ver las cosas desde esta segunda perspectiva, y está claro que me atraen las personas que también las ven así.»

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Entrevista con García-Alix en el suplemento de El Mundo

 

en elaboración… (2022-05)

 
Entrevista con Alberto García-Alix publicada en el suplemento de El Mundo el 26 de Octubre de 2008. Alberto charla, como es costumbre, con total sinceridad y transparencia. Se tratan temas como su profesión o su propia salud. A disfrutarla.
Entrevista con García-Alix en El Mundo
© «Experiencia en Caracas». / ALBERTO GARCÍA-ALIX

«Cuando uno se ha roto, el único camino por el que puede reconstruirse es la memoria»

De una particular bajada a los infiernos, de su lucha contra la hepatitis C y la heroína, tocado por una ruptura sentimental, surge el viaje interior que este fotógrafo de la experiencia ha articulado en «De donde no se vuelve», una exposición que agrupa 30 años de imágenes, las de su vida. «Tienen un poso melancólico», dice el artista, para quien seguir vivo a pesar de su adicción a los opiáceos o a conducir en moto borracho sólo tiene una explicación: contar con la protección divina.

Por Elena Pita; Fotografía del artículo original de Luis de las Alas.

Va por la calle como un saltimbanqui, persiguiendo a unos perros y a la rubia que los lleva. A saltitos, escuálido en su atuendo de bohemia parisina, la sonrisa rebasándole el perfil. Es la cara, el ánimo que le contagia a García-Alix el objetivo de papel. Hay que verlo, lo vi en cuanto llegué. Llamé a su puerta y me recibió ya con aquellas cabrioladas de chiquillo, cómicas. No se alegraba de verme (había olvidado la cita), imaginaba que quien venía era el mensajero, el mensajero que iba a fotografiar esa mañana para su serie de bikers, «tú te ganas la vida el día entero con la moto, ¿no?; pues eso, eres uno de la serie», le diría luego, cuando efectivamente apareció el motero. Así se alimenta el fotógrafo, de la calle, de las almas que encuentra.

Bueno, pues ahí que saltaba inquieto parapetado con la cámara minúscula detrás de su asistente cuando me abrieron la puerta. Nos invitó a té y a uvas, y luego compartimos un almuerzo en el cubano de Chueca de toda la vida, a vueltas con la memoria. Alberto García-Alix (León, 1956) se reescribe a sí mismo con una cámara cargada de película, tal que un escritor que empuñara su pluma. Vive para contarlo. Vivió asomado al abismo siempre, sobrevivió, y del vértigo, que es pulsión de muerte de quien ama y disfruta la vida, construyó una obra prolífica, premiada (Premio Nacional 1999), bellísima. Todo fue inconsciente, e inconsciente también empezó a buscarse a sí mismo en aquella maraña de sentimientos y negativos, lecturas, opiáceos y virus. A partir del 4 de noviembre expone en el Museo Nacional Reina Sofía 30 años de fotos (De donde no se vuelve) que son un viaje del presente al pasado, una narración introspectiva que no es sólo suya sino de todas las almas que la habitan, congeladas con vértigo en su objetivo de papel.

¿La fotografía le salvó, le salva aún la vida? «Ya quisiera la fotografía salvar vidas (ríe irónico). Me ha redimido la conciencia, en cierta manera; quiero decir que, a pesar de mí mismo, he construido una obra. Es una puerta que me ha abierto la posibilidad de aprender, formarme, comunicarme y conocerme. Una puerta a la vida.»

Está considerado «un fotógrafo de la experiencia», como los nuevos poetas; ¿hay hoy más experiencia o memoria en su obra? «Experiencia.»

Lleva, sin embargo, un par de años haciendo retrospectivas. De hecho, este echar la vista atrás comienza ya en el 93 con Los malheridos, los bien amados, los traidores. ¿Sucedió algo en esa fecha? «No, pero empezó ahí, sí, aunque de manera inconsciente: yo iba hacia delante y miraba para atrás sólo en corto. Pero todo cambia cuando llego a París.»

¿Qué sucedió entonces en París? «Fui a hacerme un tratamiento de interferón para curarme la hepatitis C, a punto ya de una cirrosis. Y qué suerte, me curé.»

¿Por qué París? «Acababa de sufrir una separación sentimental que me había hecho daño, si me quedo en Madrid me voy a La Barranquilla (poblado de; sinónimo de droga), para quitarme el dolor, físico y moral. En esos momentos yo mismo me doy mucho miedo, porque reacciono haciéndome daño a mí mismo, pero la tentación de anestesiar el dolor es muy grande. Entonces llego a París y todo cambia; supone una fractura interior tremenda, un viaje que me lleva a crear una serie de vídeos con guiones propios que no son sino una búsqueda interior: ahí empieza. Cuando uno se ha fracturado, el único camino por el que puede reconstruirse es a través de la memoria.»

¿De ahí arranca esta gran retrospectiva, 30 años? «Esto no es una retrospectiva, que no se entienda así: estoy haciendo una narración. Hacer una retrospectiva a mi edad sería fatal. He construido un viaje interior que empezó ya en París, sí, del presente al pasado. Luego me fui a China para escribir el guión, que es el hilo conductor de la exposición de fotos y del vídeo. Me fui lejos para sentir cómo me venía el pasado.»

Dice Jenaro Talens sobre la exposición que es una muestra de melancolía. ¿Qué es lo más valioso que añora? «Siempre mis fotografías tienen un poso melancólico, inconsciente, que se pega a las imágenes. Es como una marca de la casa, pero de la que yo no me doy cuenta (se ríe).»

La creación, o sea, la fotografía, ¿es ese lugar del que no se regresa? «Sí, es un espacio del que no se vuelve.»

¿Como la muerte? «Es una metáfora, la muerte es una realidad de las duras.»

«En el nombre de todos mis muertos, un ángel me protege», dice en el guión. ¿Cuántas veces ha sentido o creído que moría? «Uno nunca cree que se muere, a no ser que esté terminal, y yo nunca lo he estado; pero sí me he encontrado muy mal. Digo que un ángel me protege porque miro para atrás y… cuántas veces he llevado la moto borracho, por ejemplo. Hay una protección divina, una magia en la vida. Lo más duro fue en París. Días enteros con fiebre tiritando en la cama, una bajada a los infiernos.»

¿Consiguió superarlo solo? «Me acompañaba Nico (Nicolás Combarro, comisario de esta exposición), que tiraba de mí, menos mal: se vino a París a trabajar con la galería de Chantall Crousel, sabía que tenía que ayudarme, así que alquilamos dos lofts unidos y trabajábamos cuando podíamos. Y luego tuve la fortuna de conocer a una mujer, y eso te levanta el alma. Encontrar a una persona que te quiera cuando estás en semejante momento… Ya digo: un ángel me protege. Estaba en un bar y vi que una chica aparcaba su moto enfrente. Primero me fijé en lo bonita que era la máquina, y luego en la chica y me dije: qué suerte el hombre que tenga a esta mujer. Pues se puso a hablar de motos conmigo.»

¿Lo superó sintiéndose querido? «Estaba en fase 4, ya no fabricaba glóbulos rojos, entonces me ponían EPO: mi cuerpo era pura química, y así un año, y luego eso no se limpia en un día, no creas. Allí me quedé tres años, y ahora siempre vuelvo: en París tengo amigos, galería, y me dieron el tratamiento, que era lo más importante. La quiebra interior me obligó a mirarme, a viajar en mi interior a través de la memoria. La memoria es el espejo donde nos miramos y nos conocemos, y nos permite soñar y reconocer el mundo. Y la fotografía es la presencia visible de un instante, que luego nos permitirá jugar con la memoria. Yo sólo he fotografiado mi vida, y al revisar el trabajo retorno al pasado yo, pero no necesariamente el espectador que lo ve.»

Le ocurre, en cierto modo, lo mismo que a los escritores, ¿fotografiar es también una forma de narrar? «Sí, y todos empleamos la memoria como espejo. Para crear, para hacer una exposición o un libro de fotografía, me invento un cuento.»

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Fotografia de Alberto García-Alix.
«Miro a través de la cámara y cuando siento miedo, tiro», le cuenta a Nicolás Combarro. ¿Es su supervivencia, entendida como azar inexplicado, lo que tanto teme? «No, es como un miedo físico, casi una convulsión que puede producirme, por ejemplo, una pared levantada contra el cielo. Mis otros miedos son los de cualquiera: a la enfermedad, a la decadencia y a mis demonios.»

Escapó a la muerte y la huida le dejó heridas que «son un estigma que mancha como una ofensa», ¿el estigma de los malditos? «No, me refiero a mis errores patológicos, a mi confusión permanente: a mi edad, uno ya se conoce.»

Lo habrá contado mil veces, pero aún así me gustaría preguntar de dónde y cómo nace la fotografía en su historia personal. «Creo que nació siendo estudiante de Imagen y ayudante de dirección de cine… No, ayudante no; fui auxiliar del auxiliar del auxiliar del auxiliar de cámara: o sea, llevaba los cafés. Entonces quería hacer cine, fue más tarde cuando me sedujo la fotografía, por la magia del laboratorio.»

¿Cómo fue, qué pasó? «Sucedió por accidente. Mi hermano y yo corríamos en motos, y él tenía un amigo que venía a las carreras a hacer fotos, entonces me gustó aquello y pedí a mis padres una cámara, y al poco las carreras se acabaron, porque un amigo se mató y mi hermano decidió que iba a ser médico, así que vendieron el remolque: me quedé con una moto de competición que no podía mover y una cámara que no usaba. Pero al año me fui a vivir al Rastro con otro amigo, que montó en casa un pequeño laboratorio, entonces desempolvé la cámara: me seducía aquello de ver en el laboratorio lo que había visto a través del objetivo. Como no tenía ni idea, no me salían aquellos contrastes duros que entonces se llevaban, me salía todo gris.»

Los grises de García-Alix. «Me pasaba las tardes en el laboratorio y, poco a poco, fui comprendiendo y encontrando resultados. Y empecé a decir que era fotógrafo, y las chicas me creían. Desde el principio fui consciente de que los momentos que retrataba eran únicos, que no volverían, y eso me emocionaba. La fascinación del laboratorio surgió al tiempo que mi relación con los opiáceos: allí me di el primer chute. Éramos un grupo de amigos muy creativo, en un momento muy underground; con Ceesepe y El Hortelano teníamos la Cascorro Factory, en la que editábamos cómics, y a mí la cámara me daba poder, era mi individualidad: era yo el que miraba. Así nació mi pasión por mirar, fotografiaba las habitaciones de las pensiones por las que pasaba, no tenía referencias, era un juego, hasta que vi la primera exposición, de August Sander. Entonces intuí el poder que tenía y ya la fotografía no volvió a ser lo mismo. No fui profesional, digamos, hasta el 86.»

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Fotografia de Alberto García-Alix.
Fue tripulante de una generación de artistas que comprendieron que vida y obra eran la misma cosa, ¿por eso desapareció dejando cadáveres tan jóvenes? «No, creo que esa conjunción es algo personal mío. Pero aquellos años fueron letales: jugar con opiáceos tiene un precio.»

Morfina. Pentazozina… Pentapón. Xosegón… Heroína… ¿De qué sirvió la «pócima del olvido» si el olvido no es posible?, ¿sirvió para tener más que olvidar? «¿De qué me sirvió a mí? Yo no me arrepiento de nada. Me sirvió para construir una obra, y para mirarme, y para que lo que tuve me vuelva cada vez que veo una fotografía: sentimientos, dolor y alegría, virtudes y egoísmo, amor, y comprenderlo todo.»

Fue una generación subversiva, pero ¿sirvió de algo la subversión? «Subversiva no, perdona, yo diría agitadora, convulsa, antisistema. A partir de la era Reagan todo se vuelve políticamente correcto, las ideologías se desmayan y ¿hemos ido a mejor? No lo creo. A nosotros sí nos sirvió, para acentuar nuestros valores y nuestra lucha individual por mejorar el mundo.»

¿Esa lucha empezó entonces o en su caso arranca del antifranquismo? «Todos crecimos luchando contra la guerra de Vietnam y contra el dictador; fui de la juventud consciente de la situación. La represión de los últimos años de Franco la viví muy de cerca en casa, todos los hermanos militábamos, y era una militancia muy valiente. Parece que ya nadie se acuerda de cómo era España, cómo se vivió aquel momento en la universidad: o estabas en contra o eras un asimilado.»

Y le pregunto ahora, ¿es difícil deshacerse de un icono? «No, para mí es muy fácil. Lo que me importa es el presente, el ahora. Hombre, es muy halagador que a la gente le gusten mis fotos, mi memoria, pero yo sigo creando, no puedo hacer otra cosa.»

Alix, ¿qué busca de sí mismo en el autorretrato?, ¿se ve extraño o se reconoce? «Extraño, no: me veo. Me pongo ahí y me tiro una foto a ver cómo me veo, y luego ya me juzgaré. Me pasa cada tres, cuatro meses, sin pensarlo. Hace tiempo que no me sucede, porque estoy más contento; me busco cuando me siento mal.»

Dice que no es santo de su devoción, ¿qué se reprocha? «Que me he pasado la vida bailando (ríe, afónico).»

Dice que ha sido un egoísta, ¿quiso escapar de sí mismo? «Soy egocéntrico, me imagino, sí, y algo egoísta, pero luego no tengo ego: es todo y nada, la dualidad que llevo en los dedos tatuada.»

Alix, ¿y cómo se siente después de ese viaje en el tiempo, su tiempo? «Pues bien, muy bien.»

[Leer artículo original en el suplemento Magazine de El Mundo.]

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Ten Collection by Fotolia: Nicolás André alias Neopen

 

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Nacido en 1979, Nicolás André, alias Neopen, es un director de arte francés. Comenzó en el diseño gráfico sobre los 15 años pero pronto se adentró en el diseño web trabajando para agencias internacionales. Ha trabajado junto con Damien Elroy Vignaux, con el que creó su propia estructura llamada Incog Burö donde dio sus primeros pasos en el Motion Design y el Vjing (posteriormente profundizando en este último en distintos proyectos). A día de hoy sigue aprendiendo por su cuenta, dando pasos para mejorar como artista multidisciplinar y autodidacta.

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Nicolás André alias Neopen in Ten Collection by Fotolia

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Damien Elroy Mignaux es un fotógrafo, director y director de arte francés afincado en Berlín. Se trata de un jóven que destaca en varias facetas artísticas y que descubrimos mediante el proyecto Ten Collection by Fotolia.

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Damien Elroy Mignaux in Ten Collection by Fotolia

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François Leroy comenzó su viaje en el diseño gráfico como estudiante, indagando previamente por su cuenta dentro de la composición digital. Hoy, trabaja como artista freelance dentro de una agencia de publicidad. Sus ilustraciones suelen combinar arte tradicional con técnicas digitales, mezclándose con edición fotográfica, vectores y 3D. Define su estilo como ‘abundante, colorido y salpicado de optimismo‘. La luz, el contraste y las formas inusuales son elementos constantes de inspiración, pero la moda y la feminidad son también elementos recurrentes en su trabajo. François es un miembro muy activo en las comunidades artísticas como, por ejemplo, The KDU Network o SlashTHREE.

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François Leroy in Ten Collection by Fotolia

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